Pinocchio, créé par Carlo Collodi en 1881, est le personnage de marionnette le plus connu au monde. Cette marionnette de bois qui rêve de devenir un vrai enfant est à la fois un conte initiatique universel et une mise en abyme poétique de l'art de la marionnette lui-même.
L'histoire de Pinocchio est l'une des rares qui mette en scène une marionnette comme personnage principal, créant une mise en abyme poétique unique dans la littérature mondiale.
Carlo Collodi (1826-1890), journaliste et écrivain florentin, crée Pinocchio en 1881 pour le Giornale per i bambini, premier journal pour enfants d'Italie. Ce que la plupart des gens ignorent, c'est que Collodi avait prévu de tuer son personnage à la fin du premier épisode : la marionnette devait être pendue à un arbre, victime de ses propres bêtises. C'est la pression des lecteurs, effarés par cette fin brutale, qui le pousse à reprendre le fil et à donner à Pinocchio ses aventures ultérieures. En 1883, le roman complet est publié et connaît un succès immédiat qui ne s'est jamais démenti depuis.
Pinocchio est une marionnette de bois sculptée par Gepetto, un vieux menuisier solitaire à la fois père et créateur de la figure. Animée par la Fée aux cheveux bleus, Pinocchio se met à vivre, mais cette vie n'est pas un cadeau gratuit : elle est conditionnée à un apprentissage moral et humain que la marionnette devra accomplir au fil de nombreuses épreuves. Le mensonge qui fait pousser le nez, la tentation de l'oisiveté au Pays des Jouets, la baleine qui l'avale avec son vieux père : chaque épreuve est une leçon sur la responsabilité, le travail, la sincérité et l'amour filial.
Ce qui rend Pinocchio particulièrement adapté au spectacle de marionnettes, c'est évidemment la nature même du personnage : il est lui-même une marionnette. Voir une marionnette jouer le rôle de Pinocchio crée une mise en abyme poétique immédiate et puissante. La marionnette sur scène aspire à être humaine, à avoir une conscience, un corps qui ressente la douleur et la joie. Et en même temps, elle est animée par un artiste dont l'art consiste précisément à créer l'illusion de la vie. Ce double niveau entre la fiction (Pinocchio qui veut être un vrai enfant) et la réalité (une marionnette animée par un artiste) crée une expérience artistique d'une richesse incomparable.
Le conte de Collodi est sensiblement différent de la version popularisée par le film d'animation de Walt Disney (1940). Collodi est plus sombre, plus cruel, plus moral que Disney. Le Jiminy Cricket de Disney (la petite voix de la conscience) n'est dans le roman qu'un grillon anonyme que Pinocchio écrase dès le deuxième chapitre. La Fée aux cheveux bleus meurt à mi-parcours dans une version du roman, victime du chagrin de voir Pinocchio abandonner ses bonnes résolutions. Ces éléments plus sombres ont été soigneusement effacés par Disney pour produire une histoire optimiste et consensuelle.
Les adaptations théâtrales de Pinocchio pour le spectacle de marionnettes s'inspirent généralement davantage du texte de Collodi que du film Disney, en conservant la dimension morale et initiatique du récit tout en l'adaptant à un public enfantin. La scène du nez qui s'allonge reste le clou du spectacle dans toutes les versions : les enfants adorent ce moment où la marionnette ment et où la punition est immédiate, visible et comique. C'est un ressort dramatique d'une efficacité absolue que les artistes de marionnettes ont développé avec beaucoup d'ingéniosité scénique.
Pour les artistes de marionnettes qui travaillent sur Pinocchio, le choix de la technique n'est pas anodin. La marionnette à fils (les 'marionettes' au sens étymologique) est la technique la plus cohérente avec le personnage : Pinocchio est une marionnette à fils dans l'imaginaire populaire, et voir une marionnette à fils jouer Pinocchio crée une parfaite harmonie entre le fond et la forme. Mais la marionnette à gaine, plus vivante et plus directe, convient mieux aux formes destinées aux très jeunes enfants. Le théâtre d'ombres peut être utilisé pour la scène dans le ventre de la baleine. Certaines compagnies mélangent plusieurs techniques au fil du spectacle.
Le personnage de Gepetto est souvent sous-estimé dans les adaptations théâtrales. Pourtant, c'est lui qui donne à l'histoire sa dimension émotionnelle la plus forte : un homme seul qui crée un fils de bois et qui l'aime de tout son cœur malgré ses frasques. La relation père-fils entre Gepetto et Pinocchio est le véritable moteur émotionnel du conte. Les adaptations les plus réussies sont celles qui conservent cette dimension, qui font pleurer les parents dans la salle pendant que les enfants rient aux aventures de la marionnette.
Pinocchio s'adapte à de nombreux contextes grâce à sa notoriété universelle et ses multiples niveaux de lecture.
La mise en abyme de Pinocchio - une marionnette qui incarne un personnage qui est lui-même une marionnette - est l'une des plus belles correspondances entre une histoire et sa forme artistique. Quand l'artiste fait jouer sa marionnette de bois le rôle de Pinocchio, la frontière entre la fiction et la réalité du spectacle devient particulièrement poreuse et poétique. Le public perçoit instinctivement cette correspondance, même sans pouvoir la formuler, et l'expérience en est enrichie.
La question philosophique au cœur de Pinocchio - qu'est-ce qui distingue une vraie vie d'une vie simulée, une vraie conscience d'un comportement programmé ? - est une question que la marionnette pose à son tour à travers le geste même de la manipulation. L'artiste qui anime Pinocchio interroge par sa pratique les mêmes questions que Collodi dans son roman. Cette profondeur philosophique n'est pas nécessairement perçue consciemment par un enfant de 5 ans, mais elle crée une qualité particulière d'expérience qui la distingue de n'importe quel autre spectacle.
Pour les artistes de marionnettes, Pinocchio est souvent le projet le plus personnel de leur répertoire. Le fait de jouer une marionnette qui veut cesser d'être une marionnette crée un espace de réflexion sur leur propre pratique : que signifie donner vie à un objet inanimé ? Y a-t-il une différence de nature entre l'animation que produit l'artiste et la vie véritable ? Ces questions font de Pinocchio un spectacle qui touche l'artiste autant qu'il touche le public.
Le nez qui s'allonge est sans conteste le moment le plus attendu de tout spectacle de Pinocchio. Les enfants le savent, l'artiste le sait, et cette attente partagée crée une tension dramatique particulière. Comment l'artiste va-t-il rendre visible cet allongement ? Les solutions techniques sont nombreuses et révélatrices de l'inventivité de chaque artiste : un nez télescopique actionné par un fil, un nez amovible remplacé par un modèle plus long, un effet d'ombre projeté qui allonge le nez, ou simplement la narration qui décrit l'allongement pendant que la marionnette réagit de façon comique.
La scène dans le ventre de la baleine est un autre défi technique et dramatique majeur. Comment représenter l'intérieur d'un ventre de baleine avec des marionnettes ? Cette scène est souvent l'occasion d'effets scéniques inventifs : un tissu bleu qui enveloppe le castelet, des sons de sonar et de vagues, une lumière bleutée qui crée une atmosphère sous-marine. Les artistes qui réussissent cette scène créent un moment de magie visuelle et sonore qui reste gravé dans la mémoire des spectateurs.
Pour les structures scolaires qui étudient Pinocchio en classe (souvent au cycle 2), un spectacle de marionnettes est un prolongement naturel et vivant du livre. Les enfants voient leurs personnages s'animer devant eux, entendent les dialogues qu'ils ont lus, vivent les scènes qu'ils ont imaginées. Cette articulation entre la lecture et le spectacle vivant est l'une des formes d'éducation artistique et culturelle les plus efficaces et les plus mémorables.
Décrivez votre événement et votre public. Nous vous proposons sous 24 heures des artistes disponibles dans votre région.